Au XVII^e siècle, le paysage était encore considéré comme un genre secondaire, simple décor pour des scènes historiques ou mythologiques. La prévalence allait vers les représentations picturales religieuses ou vers celles des monarques et de leur grandeur supposée. Le paysage était juste un habillage dédié à la grandeur du sujet traité. La majesté d'un paysage était alors sensée se reporter sur l'objet du tableau, véhiculant une part de rêve que les peintres n'auraient pas pu trouver ailleurs. Il aura fallu des siècles de peinture honorifique avant que les peintres ne reviennent à la nature, abandonnée comme idéal pictural prédominant depuis les peintures rupestres de nos ancêtres. La gloire de Dame Nature comme étouffée par le nombrilisme exacerbé d'élites dirigeantes qui pensaient naïvement pouvoir dicter les rêves éternellement. Tel est le résultat de siècles d'abstinence sous l'autorité absolue d'ecclésiastiques et de monarques plus ou moins décadents.

Claude Gellée, dit Claude Lorrain (1600-1682), va tout changer. En quelques décennies, ce peintre lorrain originaire des Vosges et installé à Rome élève le paysage au rang de sujet noble et autonome, et pose les bases d’une vision poétique de la nature qui marquera la peinture européenne jusqu’au XX^e siècle.

Cette œuvre de Claude Lorrain reprend un schéma de composition souvent élaboré par le peintre. Un premier plan sombre incitant le regard à se prolonger vers l'horizon pour trouver la lumière, renforçant ainsi l'effet de profondeur de la toile. La perspective est parfaitement maîtrisée et rendue par ce maître de la lumière.

Une lumière dorée baigne les montagnes au loin, créant un cadre poétique accentué par la présence d'un berger qui joue de la flûte devant son troupeau de vaches. Il s'agit là d'une scène très inhabituelle pour l'époque, où la grâce était habituellement réservée à une élite, et non au bas peuple. Le choix de faire figurer un simple berger dans ce paysage imaginaire idéalisé ressemble à un clin d’œil du peintre à une époque en manque de grâce.

N'oublions pas que le XVII^e siècle avait commencé avec l'assassinat du roi Henri IV et se poursuivait avec l'avènement du roi soleil Louis XIV, dans une France qu'avait peu connu Claude Lorrain. Néanmoins, le jeune lorrain avait-il certainement observé la pauvreté implacable en France face à l'opulence d'un pouvoir absolutiste marqué par un contrôle croissant et sans partage des élites politiques et cléricales. Une pratique autoritaire du pouvoir que le peintre semblait défier depuis son refuge en Italie en n'appliquant pas les règles de bienséance picturale. Il fallait un certain courage pour oser peindre ce genre de scène dans le contexte oligarchique et répressif de cette époque tourmentée. Une époque sombre où la lumière ne pouvait jaillir que d'une toile de Claude Lorrain le bienfaiteur, comme un nouveau jour qui se lève.

Une lumière qui n’appartient qu’à lui

Claude Lorrain est le premier peintre à faire de la lumière l’élément central de la composition, libéré des aliénations pré-académiques. Ses célèbres effets de soleil levant ou couchant baignent les scènes d’une douceur dorée presque irréelle. Cette lumière rasante crée une profondeur atmosphérique inédite. Les plans s’estompent progressivement, les lointains se fondent dans une brume lumineuse, et l’espace semble infini. Seule la nature trouve sa place « naturellement » dans ce décor idyllique.

Sur cette toile remarquable (la qualificatif est faible), Claude Lorrain illumine la scène de toute la beauté d'un soleil couchant dont seule la mer a les faveurs des reflets dorés. Sa capacité à restituer la magnificence des effets de lumière aura subjugué plus d'un peintre, admirant la grâce qui semble avoir touché ce peintre vers 1639. Ce tableau à lui seul permet de comprendre comment Claude Lorrain a réussi à éblouir l'univers artistique des peintres pendant plusieurs siècles sans jamais être égalé. Il apporte ici la preuve, s'il en fallait une, que la nature n'a pas d'égale à produire la beauté absolue. Encore fallait-il tout le talent inouï de Claude Lorrain pour la rendre accessible au spectateur, abasourdi par une telle grâce quasiment divine.

L'équilibre de la scène est assuré par la présence d'un voilier majestueux faisant face à un monument, comme les deux piliers encadrant, voir saluant le coucher du soleil. Les figures au premier plan semblent ignorer le spectacle qui se joue devant leur regard absent, affairées à leur tache respective comme lassées par tant de lumière et de grâce d'un jour qui s'achève.

Le « paysage idéal », entre réalité et rêve

Claude ne copie pas la nature, il la recompose avec son imagination pleine de poésie. Ports antiques imaginaires, temples en ruine, arbres majestueux, personnages minuscules figurant la fragilité humaine … Tout est orchestré pour créer un monde harmonieux et intemporel où seule la nature semble trouver grâce aux yeux du peintre. Ce que l’on appellera plus tard le paysage idéal ou paysage historique devient le modèle absolu du beau paysage classique. Le paysage n'est plus au service d'un sujet à glorifier, il est le sujet central lui-même. Son aura est amplifiée par les effets lumineux que le peintre distille savamment dans ses toiles.

Le paysage devient une source de réflexion philosophique, délesté du fardeau pesant de la glorification religieuse ou politique absconse. Désormais, le divin ne s'exprime plus dans la représentation d'anges ni de nymphes sous les traits de jeunes filles gracieuses, mais bien sous les traits d'arbres majestueux ou de mers somptueuses baignés de la lumière sacrée du peintre. Le rêve n'est plus inaccessible, mais à portée de main pour celle ou celui qui prend le temps de contempler la nature et de s'immerger dans sa divine beauté.

Dans cette œuvre « Paysage pastoral », un paysage idéalisé improbable recèle une harmonie délicate, où des moutons attirent le regard par les reflets de la lumière sur leur laine blanche, en dépit de leur petite taille. Des figurants anonymes qui expriment la sérénité d'un lieu qui parait paisible et accueillant. Une maison en terre cuite discrète se fond dans la nature et surplombe le paysage qui semble l'engloutir. La nature est omniprésente et envahissante, des arbres se développant tout prêt de la bâtisse sur un promontoire improbable.

Le premier plan est neutre et sombre, dans lequel des moutons pourraient passer inaperçus, laissant le regard glisser vers l’arrière plan où se déroule le reste de la scène pastorale. Un ciel bleu parsemé de nuages livre sa lumière jusqu'aux montagnes au loin, baignées, comme souvent chez Claude Lorrain, d'une lumière douce et dorée. Une recette savoureuse que le peintre a reproduit à maintes reprises dans ses toiles, comme un malin plaisir sans cesse renouvelé mais dont le spectateur ne se lasse jamais. Un paysage idyllique où les anges sont des moutons paissant paisiblement, qui résonne comme un hymne à la nature dans sa simple beauté.

Un héritage qui traverse les siècles

Ses successeurs directs sont nombreux :

• Joseph Mallord William Turner (1775-1851) déclare : « Si Claude était ici, je lui demanderais de me montrer comment peindre la lumière. » Ses marines et ses couchers de soleil doivent tout à Lorrain. Lire l'article : L'influence du peintre Claude Lorrain sur Joseph Mallord William Turner
• John Constable, le maître du paysage romantique anglais, étudie intensivement ses toiles au Louvre et adopte la même quête de vérité lumineuse.
• Camille Corot et l’école de Barbizon reprennent la douceur vaporeuse des lointains claudiens.
• Les impressionnistes, Claude Monet, le maître de l'impressionnisme, en tête, garderont cette obsession de la lumière changeante et des effets atmosphériques.

Au XIX^e siècle, les grands collectionneurs anglais se disputent les toiles de Claude à prix d’or. Le Libro di Verità (son recueil personnel de dessins) devient une référence incontournable pour tous les jeunes peintres en voyage en Italie.

Lire l'article : John Constable et Claude Lorrain, la quête commune de la lumière atmosphérique

Pourquoi Claude Lorrain reste-t-il si moderne ?

Parce qu’il a compris avant tout le monde que peindre un paysage, ce n’est pas reproduire un lieu, c’est transmettre une émotion. Sa nature n’est jamais brutale, elle est sereine, mélancolique, presque spirituelle. Trois cents ans plus tard, cette quête d’harmonie et de lumière continue d’inspirer les artistes contemporains et de toucher le public.

Son approche de la peinture par le jeu de lumière dorée intrigue toujours autant les artistes, soucieux de reproduire l'éclat lumineux des arbres, des bâtisses, comme des animaux en pâturage sous un ciel changeant. Les peintres de Barbizon se tourneront vers la majesté de la forêt de Fontainebleau, où la nature n'est plus idéalisée mais concrète et toujours représentée avec le soucis de cette clarté lumineuse dont Claude Lorrain s'était fait une spécialité. On retrouvera le premier plan sombre d'une scène et un ciel plus ou moins lumineux, mais dont quelques rayons de soleil parviennent à percer la couche nuageuse.